Preguntas :)

1. ¿Por que las vanguardias artísticas que surgieron a fines del siglo XIX y principios del siglo XX cierran su ciclo a mediados del siglo XX?


      Se dice que las vanguardias comienzan en ese tiempo, por la guerra mundial, el impacto que tienen en el mundo y en el alma de los pintores y escultores de todos las vanguardias. se puede utilizar como un ataque a la sociedad y también abriendo los ojos a los espectadores de lo que sucede o sucedió en algunos casos. como por ejemplo en el informalismo. o en el pop art, que es mas de propaganda en donde sus autores retratan la vida de modo de tira comic, o salen anuncios. 


2. ¿Como influye el ambiente de posguerra terminada la segunda guerra mundial en el desarrollo del arte durante las siguientes decadas?
          
        Influye ya que de ahi es como va avanzando la sociedad. se van basando en mostrar cosas que no cualquiera ve. tambien influye en su entorno, para saber en que basarse, (sociedad de consumo, dolor, guerra, etc.) y cada vanguardia tiene su estilo distinto de representacion pero todo con un significado.


3. ¿Cuales son las razones por las que EUA se convierte en el principal centro de desarrollo del arte y arquitectura en la 2da mitad del siglo XX?
    
       Primero que nada todo avanza segun economia, y despues por tener más pintores y esculturas, de igual modo, mas sobre salientes y más construcciones. además ahi en ese lugar es donde se comienzan a ver los avances arquitectonicos.

ESCUELA MEXICANA DE PINTURA

Se llama "Escuela Mexicana de Pintura" a una etapa de la producción plástica en México a partir de 1921, cuando termina laRevolución y se instaura un régimen de reconstrucción del tejido social. 

Se agrupa en esta "escuela" a pintores de muy distintas edades y contextos, que aunque tenía una visión plástica totalmente opuesta, concebían su trabajo pictórico como una nueva representación del "ser mexicano", con énfasis en lo popular y en lo mítico. 

Uno de los exponentes más interesantes de esta escuela fue el paisajista jaliciense Gerardo Murillo (1875-1964), mejor conocido como el Dr. Atl.

Durante su vida Murillo dio mucho de qué hablar por su fuerte personalidad y su genio, pero también por su tórrido romance conCarmen Mondragón, mejor conocida como Nahui Ollin (nombre que él mismo le puso). 

El Dr. Atl fue un pintor reconocido en todo el mundo: se dice que él diseñó el telón de cristal elaborado por la Casa Tiffany de Nueva York para el escenario del Palacio de Bellas Artes. 

La Generación de la Ruptura

La Ruptura es el nombre dado al conjunto de artistas mexicanos y extranjeros radicados en México, que en la década de los 50 comenzaron a reaccionar contra lo que percibían como los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura, la cual aglutinaba a los muralistas mexicanos (David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco entre otros) cuya temática nacionalista, izquierdista y revolucionaria había sido la corriente artística hegemónica en México desde el estallido de la revolución mexicana en 1910. La generación de la Ruptura incorporaba valores más cosmopolitas, abstractos y apolíticos en su trabajo, buscando entre otras cosas expandir su temática y su estilo más allá de los límites impuestos por el muralismo y sus ramificaciones. Es de hacer notar que el movimiento no fue jamás organizado ni definido, como tal se daba de modo bastante espontáneo, no era deliberado y las relaciones entre sus miembros fueron mas bien informales.

Pintores reconocidos en la actualidad perfilaron en este movimiento, entre ellos: Manuel Felguérez, Lilia Carrillo, Fernando García Ponce, José Luis Cuevas, Pedro Coronel,Günther Gerzo, Carlos Mérida, Roger von Gunten, Vlady, Gabriel Ramirez, Mathias Goeritz, Alberto Gironella, Pedro Coronel, Vicente Rojo Almazán, Juan Soriano y Gustavo Arias Murueta. Todos y cada uno de ellos crearon un estilo particular en sus pinturas y revolucionaron el arte en México. Además encontraron un "defensor" literario en la figura del escritor y periodista Juan García Ponce.

Rufino Tamayo fue un artista pionero en romper la conexión que tenía con el movimiento muralista, pero no perteneció a la generación de la Ruptura. Sus pinturas eran siempre muy coloridas, con detalles mexicanos muy propios de sus obras. Su temática era el hombre y los objetos que lo rodeaban. Destaca por sus sandías.

José Luis Cuevas asistió a la Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda” en la Ciudad de México. Posteriormente estudió en la Institución de Enseñanza Universitaria de la misma ciudad. Aunque no es un pintor abstracto, fue un opositor a la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Sus obras se caracterizaron por retratar figuras humanas con características muy grotescas y siempre utilizando una gama de colores muy limitada.Se unió a los jóvenes pintores entre los que estaban Alberto Gironella, Enrique Echeverría,Pedro Coronel, Manuel Felguérez y Francisco Icaza, todos, posteriormente parte del movimiento de la Ruptura. Sus trabajos incluían el dibujo y el grabado. Desde muy joven expuso en galerías de Los Ángeles o Nueva York impulsado por el Jefe del Departamento de Artes Visuales de la OEA, José Gómez Sicre.

Pedro Coronel nació en Zacatecas y desde 1950 en adelante el se convierte en un reconocido pintor en México y en el mundo. Sus pinturas estaban basadas en figuras humanas, paisajes u objetos con una presentación geométrica y muy colorido.

Günther Gerzso Fue un magnífico pintor abstracto inserto en el geometrismo. Todas sus pinturas son grandes planos de color con formas geométricas. Sus pinturas eran muy emotivas.

Arnold Belkin llegó a México a los 18 años atraído por el muralismo. Tuvo varias etapas figurativo, expresionista y finalmente usó la fotografía como lo había hecho Siqueiros y a partir de ahí descompone sus figuras.

Carlos Mérida fue un gran pintor guatemalteco que vivió por un largo período en México, e igual que Tamayo fue precursor del alejamiento con los temas de la llamada Escuela Mexicana de Pintura. El también utilizó el arte abstracto para romper esquemas pero con un toque diferente a los demás, se inspiró en la arquitectura maya con representativas características en sus pinturas. Toda su obra la hizo en México y fue parte de los pintores que utilizaban el abstracto figurativo, y estuvo cercano a la pintura de Miró.

Roger von Gunten nació en Suiza y como ya era de costumbre llegó a México. Fue figurativo abstracto con una paleta de color muy estridente.

Vlady es el pseudónimo de un pintor ruso, el cual vivióen Cuernavaca. Creó una nueva técnica de pintura llamada impasto. Esta técnica consiste en poner grandes plastas de pintura encima de otras para crear un efecto de profundidad. Fue un gran engraver con lo que fuera la característica madre de La Ruptura, el uso del abstracto figurativo.

Cordelia Ureta no perteneció a esa generación, pero desde antes pintaba de manera abstracto en lo que más importaba era el color, en otros momentos regresaba a lo figurativo, sin ser realista en las cuales tenía grandes capas de color.

Remedios Varo fue mejor dicho surrealista, no abstracta. Realizó en México su obra más esplendorosa. La clase de pintura que ella creó fue llamada alucinación por sus alocadas características y personajes.

Alberto Gironella fue un innovador de su tiempo. Su obra fue tan propia de él que creó un nuevo estilo llamado ensamblaje. Este estilo constaba en crear una obra con partes de otras. Trabajó con una temática española, debido a sus antecedentes. Las Meninas, la reina Mariana, pero también Zapata fue motivo de su pintura.

Mathias Goeritz nació en Alemania y aunque es reconocido como arquitecto y escultor, estudió en la Bauhaus, su inspiración viene de los dibujos y arte de otros artistas plásticos. Proyectos tan famosos como la Ruta de la Amistad para las olimpiadas del año 68 en México, La “Osa Mayor” en el Palacio de los Deportes y las “Torres de Satélite” en México.

Gustavo Arias Murueta es un artista plástico mexicano dedicado a la pintura al óleo, el grabado y el dibujo. Arias Murueta colaboró con otros artistas en la realización de un mural colectivo para apoyar las demandas estudiantiles durante el Movimiento de 1968 en México. El mural fue una obra improvisada realizada sobre láminas de zinc corrugado que cubrían las ruinas del monumento a Miguel Alemán Valdés.

Vicente Rojo Almazán, nació en Barcelona en 1932. En 1949 llega a México donde estudia pintura y tipografía y realiza durante más de cuarenta años una extensa obra como pintor, escultor, diseñador gráfico y escenógrafo. Ha colaborado además en la fundación de editoriales, suplementos culturales y otras aplicaciones. En 1991 recibió el Premio Nacional de Arte y el Premio México de Diseño.

Estos son artistas participantes en lo que se ha denominado La Generación de la Ruptura en México, con la que se marca el comienzo de la nueva era del pensamiento artístico, sin seguir los estándar de academias o de sociedades.

VANGUARDIAS

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

      El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamenteestadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.

CARACTERISTICAS:

      Su preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo. Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.

      Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

       El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal.

       Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

REPRESENTASTES:

   Vostanik Manoog Adoyan, mejor conocido como Arshile Gorky (15 de abril de 1904 - 21 de julio de 1948), fue un pintor armenionaturalizado estadounidense y exponente del arte abstracto.

     En 1922, Gorky se inscribió en el instituto de arte New School of Design, ubicado en Boston, y           finalmente logró convertirse en profesor a medio tiempo. Entre sus alumnos hubo artistas como Mark Rothko. A principios de 1920 fue influenciado por el impresionismo, a pesar de que años más tarde produjo obras que estaban bajo la categoría del postimpresionismo. Durante esta época residía en Nueva York y fue influenciado por el artista Paul Cézanne.² En 1927, Gorky conoció a Ethel Schwabacher y entre ambos nació la que sería una larga amistad. Schwabacher se convirtió en su primera biógrafa.

Algunas pinturas destacadas de este periodo incluyen Paisaje al estilo de Cézanne (1927) y Paisaje, Staten Island (1927-1928). A finales de la década de 1920 y principios de la siguiente, experimentó con el cubismo influido por Pablo Picasso, y finalmente adoptó el surrealismo en su obra.⁵ Las obras, Noche, Enigma y Nostalgia (1930-1934) son características de esta fase de transición en su pintura.

William Baziotes (Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos, 1912 - Reading, Pensilvania, 1963), fue un pintor de tendencia surrealista dentro del expresionismo abstracto.

§  « Pintura colectiva», 1941, realizada en colaboración con Gerome Kamrowksi y Jackson Pollock

§  « The Drugged ballonist », collage, 1942

§  « Dragon », 1950

§  « Toy world », 1951

§  « El pájaro blanco »

§  « Congo »

§  « Mundo de Luna »

§  « Noche verde »

§  « Brumas »

§  « Poemas automáticos », 1942, en colaboración con Jackson Pollock y Robert Motherwell

          

EL INFORMALISMO

      El informalismo es un movimiento pictórico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia y el resto de Europa después de la Segunda Guerra Mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. Dentro de él se distinguen diferentes corrientes, como la abstracción lírica, la pintura matérica, la Nueva escuela de París, el tachismo, el espacialismo o el art brut. El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, de 1952, sobre el arte abstracto no geométrico.

CARACTERISTICAS:

·         Ausencia de cualquier propósito figurativo.

·         Renuncia a articular las formas de una manera determinada.

·         Búsqueda de valores expresivos, exclusivamente a través de la profundización en la materia, incorporando el valor de la textura y abordando territorios desconocidos.

REPRESENTANTES:

Martín Chirino, en febrero de 1958 tiene lugar en el ateneo de Madrid la primero exposición de este escultor. Su obra principal es considerada el espiral, uno de los símbolos característicos de la cultura aborigen canaria.

Lucio Fontana, Concepto especial 1956. Las caprichosas obras del pintor y escultor italiano se sitúan entre el espacio gestual y el informalismo materico. A través de las perforaciones y de los cortes realizados en el lienzo o la cartulina. Fontana ilustra el impulso irracional de su imaginación, conectando la superficie frontal con el espacio abierto de detrás.

Con estas acciones el artista intentaba superar la insuficiencia del cuadro caballete. Eliminando así la clásica distinción entre pintura y escultura.

              

NUEVA FIGURACION

      La nueva figuración se sitúa entre el informalismo y el expresionismo gestual, por una parte, y las corrientes figurativas posteriores. Por otra actuando de movimiento de transición entre ambas.

       Se trata de una reacción emotiva ante los desastres provocados por la última contienda. Las fuertes distorsiones de las figuras y la indeterminación del espacio conectaron estas nuevas preocupaciones figurativas con el realismo descarnando del expresionismo.

CARACTERISTICAS:

      Mostraban fines abstractos sin dejar de sugerir elementos representacionales y de bajo relieve furtivos.

Otras obras mostraban cierta figuración genética. Cercana a las representaciones infantiles y esquizoides.

También encontramos una referencia al terror, violencia, aislamiento y a la angustia. O visiones dramáticas.

REPRESENTANTES:

      Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909 – Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor anglo-irlandés, de estilo muy personal que puede definirse como figuración expresionista.

      Los cuadros de Bacon tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. En sus cuadros trabajó la representación de la figura masculina o femenina, que por lo general aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacios cerrados y oscuros.

      Los retratos y autorretratos son una gran parte de las pinturas; destaca entre ellos George Dyer en un espejo (Portrait of George Dyer In a Mirror, 1968), del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, en donde refleja la fragilidad del ser. Refleja la época que vivió, la Segunda Guerra Mundial.

      Kenneth Appel (8 de octubre de 1932) es un matemático que, en 1976 resolvió, junto a su colega Wolfgang Haken, uno de los más famosos problemas en matemática: el teorema de los cuatro colores.

      Pierre Corneille (Ruan, 6 de junio de 1606 - París, 1 de octubre de 1684) fue un dramaturgo francés, considerado uno de los mejores del siglo XVII, junto con Molière y Racine. La riqueza y diversidad de su obra refleja los valores y los grandes interrogantes de su época.

       

ARTE POP

      El termino de pop art, se debio al critico britanico Lawrence Alloway que lo utilizó para referirce a el arte popular, que estaba creando la cultura de la publicidad de masas.

Arte Cinético

      Tiene como principio básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en escultura que en pintura. Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres subcategorías: obras con movimiento propio, ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por acción de algún elemento independiente (música, viento, temperatura), obras de ilusión óptica en las que se encuadra la pintura cinética, y obras interactivas en las que el espectador debe accionar o ejecutar alguna acción. Como representantes de cada uno de estos grupos podemos nombrar a Alexander Calder, con sus móviles, estructuras colgantes muy ligeras que se mueven con el viento, al español Eusebio Sempere, con sus serigrafías de líneas muy finas y geométricas que al entrecruzarse producen la sensación óptica de movimiento, y a Marcel Duchamp respectivamente.

Hiperrealismo

       Se entiende como una prolongación o evolución natural del Pop Art. En particular, los retratos e imágenes Pop, poseen el atractivo de ser similares a la realidad debido a su origen (muchas de estas imágenes, como los retratos de Andy Warhol se obtuvieron directamente de fotografías) aunque con un lenguaje propio, la mayoría de las ocasiones reducciones de color, dos o tres tonos saturados con el retrato en negro. El grado de iconicidad de una obra, es decir, su parecido con la realidad comenzó a valorarse y eso produjo el nacimiento del Hiperrealismo, un movimiento cuyo objetivo era conseguir el mayor parecido posible con la realidad, hasta límites nunca alcanzados anteriormente. Es, por tanto, una vanguardia de alto poder técnico y de una meticulosidad exagerada en su ejecución. La fotografía fue su principal competencia, aunque siempre trató de distanciarse produciendo imágenes que no pudiesen ser fotografiadas, escenarios imposibles, ángulos forzados, etc. con lo que consiguió su propio terreno en el Arte.

Nueva Abstracción Americana.

      Su principal componente fue el estadounidense Frank Stella. Es una vanguardia de grandes formatos que afirma la obra como estructura y materia. Destaca así, la composición más que los elementos anecdóticos presentes. Utiliza una paleta muy saturada son obras de clara bidimensionalidad y formas simples, con el objetivo de que éstas no tomen gran protagonismo y el conjunto sea, al fin y al cabo, lo principal.

Minimal Art.

El arte minimal comenzó siendo una vanguardia más, aunque su proyección e influencia ha sido enorme en el arte y el diseño de final del siglo XX y principios de XXI. Inspirada en el arte oriental, tiene como lema “menos es más”, de modo que, si una imagen, un interior, un objeto industrial, etc., se puede resolver con un mínimo de elementos no se le añadirá ni uno más. De este modo, produce imágenes limpias, aparentemente vacías y simples, aunque con gran carga estética más que funcional. Uno de sus representantes fue Sol le Witt.

Arte Conceptual.

Aunque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente. Sin embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco concienciada y crítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su mercado.